Éclaboussures de sang sur une bobine de film de pulpe : le tueur suit les films de Quentin Tarantino
Quentin Tarantino, un réalisateur dont les films ont été la dose d'adrénaline ultime pour laquelle tout accro au cinéma serait prêt à mourir. Tout au long de ses trente années de carrière, Tarantino a écrit et réalisé certains des films les plus sanglants et les plus divertissants jamais vus à l'écran.
Tout au long de sa carrière, Tarantino a accumulé un culte qui l'a couronné par les fans comme le roi incontesté de la culture pop. Avec la sortie de son dernier long métrage, Once Upon A Time In Hollywood, que de nombreux critiques ont déjà salué comme étant son meilleur film depuis Pulp Fiction, ce serait une grande gifle pour l'auteur de ne pas évoquer l'un des l'atout le plus fiable du roi de la culture pop en termes de réalisation cinématographique ; son incroyable utilisation de la musique.
Comme aucun autre réalisateur, Tarantino semble maîtriser la capacité de choisir le morceau de musique parfait pour une scène donnée. Les seuls administrateurs comparables seraient probablement feu Stanley.
Kubrick, grâce à son utilisation de la musique classique dans ses films, ou Martin Scorsese à travers son choix d'injecter ce qui semble être un certain nombre de morceaux du recueil de chansons des Rolling Stones dans presque tous ses films avec des résultats impeccables. Pour bien comprendre la maîtrise de la musique de Tarantino au sein de ses films, il faudrait revenir à son premier long métrage officiel, Reservoir Dogs.
Reservoir Dogs est sorti en salles à l'été 1992 et a été immédiatement acclamé par la critique. Le film devait être la deuxième tentative de Tarantino en matière de cinéma après avoir tourné le micro-budget, My Best Friends Wedding, en 1987. Tarantino, cependant, a vu son premier,
long métrage incomplet car il s'agit davantage de sa propre école de cinéma personnelle que d'un film de réelle valeur.
Le premier exemple de l'incroyable utilisation de la musique par Tarantino à travers le film a été son incorporation du hit néerlandais de 1969 Little Green Bag de George Baker Selection, qui a été utilisé pour aider à présenter les personnages principaux du film. La chanson, bien sûr, devait suivre la tristement célèbre scène d'ouverture où les personnages du film plaisantaient sur ce qu'était vraiment Madonnas, Like A Virgin. Le film a également fait un usage incroyable de la chanson Stuck In The Middle With You de Stealers Wheel lorsque l'un des psychopathes du film, M. Blonde, s'est engagé à torturer un flic ligoté et bâillonné juste pour le plaisir. La scène a fait frissonner le public du monde entier, en particulier le moment où M. Blonde a coupé l'oreille du flic sans défense. Mais la scène n'aurait eu que peu de pouvoir sans le choix musical de Tarantino qui a permis à la scène de devenir presque aussi emblématique que la séquence de la douche dans Psycho, soutenue par la partition tendue de Bernard Herrmann, ou la musique titre de Jaws qui jouait comme le requin a été introduit pour la première fois.
En 1994, suite au succès de Reservoir Dogs, Tarantino sort son film le plus acclamé par la critique à ce jour, Pulp Fiction. Le film a contribué à propulser le jeune réalisateur vers une renommée internationale tout en revitalisant la carrière d'acteur de John Travolta et a aidé le Badass Motherfucker lui-même, Samuel L. Jackson, à devenir un nom connu grâce à son rôle de Jules Winnfield. À travers le film, Tarantino a pu démontrer davantage sa capacité à choisir la chanson précise pour la scène appropriée. Un exemple étant l'utilisation de You Never Can Tell de Chuck Berry lors d'une séquence mémorable où Vincent Vega et Mia Wallace, interprétés par la belle Uma Thurman, participent à un concours de danse au Jack Rabbit Slims, un restaurant fictif des années 50, qui était aussi un retour ultérieur aux jours disco de Travolta dans Saturday Night Fever.
Une autre démonstration incroyable de l'utilisation de la pornographie audio par Tarantino a été l'utilisation du tube country des Statler Brothers de 1966, Flowers On The Wall, tel qu'il a été entendu à la radio lorsque Butch Coolidge, joué par Bruce Willis, venait de réussir à retrouver sa poche bien-aimée. regardez avant de tuer Vincent Vega avec le propre pistolet du tueur à gages débile. Tarantino a également inséré deux succès instrumentaux de la légende de la guitare, Link Wray, dont la chanson Rumble, qui est à ce jour le seul succès instrumental à être banni des ondes américaines lors de sa sortie en 1958 en raison de la crainte des disc-jockeys qui croyaient que le la chanson a peut-être inspiré la violence des gangs. Une histoire légendaire sur quelques morceaux qui tuent. Lorsqu'on lui a demandé ce qui avait inspiré son choix de musique pour Pulp Fiction, Tarantino n'a pas tardé à évoquer son désir d'incorporer la musique surf des années 60 comme musique originale pour donner au film une ambiance rock and roll, western spaghetti.
Le long métrage suivant de Tarantino était son seul film à ce jour, adapté d'un roman intitulé Rum Punch, écrit par Elmore Leonard. Tarantino a renommé le film Jackie Brown, un film qu'il souhaitait être sa lettre d'amour aux films de blaxploitation des années soixante-dix.
Tarantino a même choisi Pam Grieir dans le rôle titre, célèbre pour ses performances dans les films de blaxploitation. La musique originale du film a été composée par James Newton Howard, et la bande originale du film était principalement composée de morceaux soul et funk des années 70, y compris des chansons de The Brothers Johnson, Bill Withers et même la chanson Long Time Woman, interprétée par Pam Grier elle-même. Le film contenait également des morceaux de Johnny Cash, The Supremes et The Guess Who. Même si le film est loin d'être mon préféré parmi ceux de Tarantino, son utilisation de la musique, en particulier la chanson jouée lors du générique d'ouverture, Across 110th Street de Bobby Womack and Peace, où Pam Grier est présentée pour la première fois à l'écran, était très cool. introduction qui a contribué à donner le ton à tout le film.
En 2003, Kill Bill : Volume 1 est sorti en salles, et l'année suivante, Kill Bill : Volume 2 est également sorti, ce qui a ironiquement donné lieu à l'adaptation cinématographique du pilote télé raté de Mia Wallace, Fox Force Five, qu'elle avait décrit à Vincent Vega dans Pulp Fiction, contribuant à plastifier la théorie selon laquelle tous les films de Tarantino sont reliés par un univers cinématographique de sa propre création. Mais pour le moment, je n’entrerai pas dans la théorie de l’univers Tarantino. Les deux films Kill Bill devaient initialement être montés comme un seul film. Les dirigeants du cinéma, cependant, ont choisi de diviser le film en deux parties pour éviter au public d'avoir à supporter un film d'une durée égale à celle du film de 1956, Les Dix Commandements. Lorsque Tarantino a commencé à écrire Kill Bill, il souhaitait présenter au monde sa propre variation d'un film de Kung Fu tout en incorporant des éléments du western spaghetti, sans aucun doute l'un des genres cinématographiques préférés de Tarantino. Le scénario des volumes 1 et 2, qui raconte l'histoire d'un ancien assassin en quête de vengeance après avoir été laissé pour mort le jour de son mariage par ceux en qui elle avait autrefois confiance, a été salué par la critique, comme la majorité des films de Tarantino. . La bande originale s'inspire largement de l'incorporation de musiques de films qui rappellent les westerns spaghetti réalisés par Sergio Leone, le génie derrière la trilogie des dollars (Une poignée de dollars, Pour quelques dollars de plus et Le Bon, la Brute et le Truand) qui a joué l'icône du cinéma et tout à fait dur à cuire, Clint Eastwood. Tarantino a également utilisé la chanson Bang Bang (My Baby Shot Me Down) de Nancy Sinatra, qui a suivi l'ouverture froide où l'ancien amant de The Bride, Bill, a tiré sur The Bride au visage, ce qui était le choix de chanson parfait pour ouvrir une motion. image avec des thèmes de rétribution. Le film fait également un usage incroyable de musiques de films originales telles que la chanson Twisted Nerve de Bernard Hermann, largement connu pour les musiques de films qu'il avait composées pour Alfred Hitchcock dans les années cinquante et soixante notamment, y compris les musiques de Psycho, North By Nord-Ouest et Vertigo. La chanson a été présentée comme l'un des nombreux antagonistes du film, Elle Driver, entre à l'hôpital où The Bride est dans le coma. On entend l'assassin brandissant un cache-œil siffler la mélodie qui se transforme ensuite en la partition originale du compositeur légendaire alors que la tension commence à monter. Mais tout au long du film, mon utilisation préférée de la musique a été le choix de Tarantino d'utiliser la chanson Nobody But Me de The Human Beinz lors d'une scène épique où The Bride affronte à elle seule les Crazy 88, probablement la séquence de combat la plus sanglante de tous. du cinéma. Dans l’ensemble, le choix musical de Tarantino a considérablement élevé l’ambiance générale du film et l’a aidé à se transformer en un film aux proportions épiques.
En 2007, Tarantino a collaboré avec son ami de longue date et collègue cinéaste, Robert Rodriguez, dans ce qui allait devenir un double long métrage intitulé Grindhouse Presents: Death Proof et Planet Terror. Les cinéastes avaient déjà travaillé ensemble sur le film de vampire de 1996, From Dusk Till Dawn, dans lequel Tarantino a joué tout en réalisant le scénario original. Cette fois-ci, Tarantino et Rodriguez ont spécifiquement filmé leur double long métrage comme leur lettre d'amour à B-grade.
films qui étaient les plus courants dans les années soixante-dix. Les deux films donnaient l'impression d'avoir été tournés avec un budget relativement faible et incluaient d'innombrables femmes sexy, des intrigues farfelues et de nombreuses violences. Le long métrage de Tarantino, Death Proof, tournait autour d'un cascadeur psychopathe qui ciblait des groupes sans méfiance de jeunes et belles femmes, qu'il assassinait ensuite sadiquement par un homicide involontaire. Le film présentait plusieurs succès de la fin des années 60 et des années 70, et on ne peut que supposer que le cinéaste désormais vétéran a grandi en écoutant tout au long de son enfance à Los Angeles. Mon utilisation préférée de la musique dans le film devait être pendant une séquence où la chanson Down In Mexico de Les Coasters ont joué le rôle de l'incroyablement sexy Vanessa Ferlito et ont offert à Kurt Russell, qui joue le méchant du film, Mike le Cascadeur, un tour de danse très sensuel. Le film a également utilisé une multitude de succès, notamment : Baby It's You de Smith, Jeepster de T. Rex et Hold Tight de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich qui ont été entendus à la radio lors d'une scène horrible dans laquelle une voiture pleine de bébés a été brutalement assassinée par Mike The Cascadeur après les avoir percutés avec son véhicule classique emblématique. Le film présentait également un de mes plaisirs coupables personnels, Chick Habit by April March, qui ressemblait à un succès des années soixante bien qu'il soit sorti en 1996.
Tarantino a toujours été un fan des films centrés sur la Seconde Guerre mondiale. En particulier, les films qui montraient les Américains tenant tête aux nazis lorsque les chances étaient contre eux, comme à travers le film réalisé par Robert Aldrich en 1967, "The Dirty Dozen". Ou des films centrés sur les efforts déployés par l'Amérique pour échapper aux nazis, comme le film à succès de 1963 "La Grande Évasion", que Tarantino a surnommé son film préféré de tous les temps sur la Seconde Guerre mondiale. En 2009, cet amour pour les films de guerre a conduit Tarantino à réaliser l'épopée de la Seconde Guerre mondiale, Inglourious Basterds. Dès sa sortie, le film a été largement reconnu par la critique comme étant l'un des films les plus célèbres de Tarantino, et sa bande originale a joué un rôle important. Contrairement à la plupart des films de Tarantino, la bande originale d'Inglourious Basterds n'incluait pas beaucoup de succès grand public enregistrés précédemment, mais contenait une partition musicale badass, qui était une fois de plus fortement inspirée par le genre cinématographique préféré de Tarantino, le western spaghetti. Plusieurs musiques présentées dans le film ont été composées par le légendaire Ennio Morricone, contribuant ainsi à donner au film une couche de suspense supplémentaire. Une scène préférée du film, qui comprenait une partition composée par Ennio Morricone, était celle où The Bear Jew a été présenté pour la première fois alors qu'il émergeait d'une grotte sombre avec une batte de baseball à la main alors que la chanson The Surrender jouait un moment avant qu'il ne frappe. le cerveau d'un officier nazi. Tarantino a également emprunté des partitions musicales à de nombreux longs métrages, dont la chanson Tiger Tank du film Kelly's Heroes, qui joue le rôle du soldat Zoller allant à la rencontre de Shosanna dans la salle de projection, qui se termine par une fusillade sanglante. Le seul morceau de musique moderne incorporé dans le film était Putting Out Fire, interprété par David Bowie, qui figurait dans le film Cat People. La chanson a été jouée lors d'une scène d'introduction du chapitre cinq dans laquelle Shosanna se prépare à incendier son théâtre et finalement à tuer Hitler et d'autres membres clés du Troisième Reich. La bande originale du film Inglourious Basterds était si recherchée qu'elle a fini par recevoir une nomination aux Grammy Awards pour la meilleure compilation de bande originale pour un film, avant de perdre face à la bande originale de Slumdog Millionaire.
La bande originale la plus éclectique d’un long métrage réalisé par Quentin Tarantino est sans doute celle du western spaghetti épique, Django Unchained, qui présentait une multitude de genres musicaux. Le film, qui raconte l'histoire durable d'un esclave affranchi, Django Freeman, qui devient un chasseur de primes alors qu'il voyage avec son sauveur et ami, le Dr King Schultz, pour sauver sa femme esclave, Broomhilda, a été universellement acclamé par la critique. . Le film incorporait des éléments de rap, de hip hop, ainsi qu'un éventail de succès country, dont la chanson Ain't No Grave de Johnny Cash, ainsi qu'une autre vaste sélection de musiques de films d'Ennio Morricone, qui semble être un modèle. dans les films de Tarantino ces derniers temps. Tout au long du film, il y a eu des chansons qui ont élevé les scènes plus que d'autres, y compris la chanson d'introduction Django, interprétée par Rocky Roberts, qui jouait le rôle d'un Django asservi conduit à travers le désert, enchaîné par les chevilles et vêtu de simples haillons. La chanson a contribué à donner le ton à tout le film tout en servant également de retour au western spaghetti de 1966, Django, réalisé par Sergio Corbucci. En parlant de cela, Django Unchained a également présenté une apparition du Django original lorsque l'acteur du film de 1966, Franco Nero, s'est entretenu avec Django Freeman, joué par Jamie Foxx, au Cleopatra Club. Cette scène s’est avérée être un camée assez mémorable. Une autre utilisation notable de la musique a été le tube de Jim Croce, I Got A Name, qui a été joué lors d'un montage de film où Django et le Dr King Schultz chevauchaient dans le paysage hivernal, qui s'est terminé sur une belle photo de Django s'imaginant retrouver son magnifique épouse, Broomhilda. Une scène du film, guidée par la musique à couper le souffle de La Corsa du compositeur de films Luis Bacalov, dans laquelle Django a finalement rattrapé les Brittle Brothers qui avaient
torturé Django et sa femme, a toujours réussi à me donner la chair de poule à chaque visionnage. L'image d'un vaillant Django s'approchant de John Brittle avant de crier son nom alors que la partition musicale joue en arrière-plan qui se termine par Django tuant John et Little Raj, a toujours été une scène qui a suscité des sentiments d'espoir, de dignité et la conviction que le bien finira par l'emporter sur le mal. Cependant, la plus grande utilisation de la musique dans le film a sans doute eu lieu lors de la fusillade sanglante à Candyland après la mort de Calvin Candie et du Dr King Schultz. Alors que Django se frayait un chemin à travers le manoir, les pistolets dégainés, tirant sauvagement comme un remix intitulé Unchained avec des voix de 2Pac et James Brown jouées en arrière-plan, devait être l'une de mes scènes préférées dans n'importe quel film qui a été massivement rehaussée par le choix de Tarantino. pour insérer la chanson la plus inattendue dans un film, il n'aurait généralement rien à voir avec son intégration. Pas différent de la bande originale d'Inglourious Basterds, Django Unchained a également reçu une nomination aux Grammy Awards pour la meilleure compilation de bande originale pour un film, ce qui en fait une bande originale véritablement géniale personnifiée par l'incroyable goût musical de Tarantino.
Le titre justement intitulé The Hateful Eight, qui était le huitième film réalisé par le célèbre auteur, comprenait pour la première fois dans un film de Tarantino une musique complètement originale, composée, orchestrée et dirigée par nul autre qu'Ennio Morricone. Ayant été un film qui a fait l'objet d'une large controverse avant même que Tarantino ne décide de se lancer en production en raison de la fuite de la première ébauche du scénario en ligne en janvier 2014, le réalisateur a d'abord déclaré qu'il ne tournerait pas le long métrage - jusqu'à ce que l'immense majorité réponse positive qu'il a reçue du public lors d'une lecture historique en direct du scénario. Avec le soutien du public, le film est finalement entré en production en septembre 2014 et, dès sa sortie, a rencontré des critiques mitigées de la part des critiques.
Considéré comme l'un des films les plus faibles de la filmographie de Tarantino, l'histoire était centrée sur huit inconnus réunis lors d'une violente tempête de neige dans le Wyoming au cours de l'hiver 1877, ce qui était en quelque sorte un retour au premier long métrage de Tarantino, Reservoir Dogs, qui également contenait un premier emplacement défini. Bien que le film n'ait pas reçu un accueil universel comme d'autres films de l'œuvre de Tarantino, la musique originale de Morricone n'aurait pas pu être mieux accueillie, ayant valu au compositeur respecté et vétéran un Golden Globe Award,
ainsi que son premier Oscar pour la musique du film. En plus d'avoir une musique originale magistrale qui a donné au film une sensation hitchcockienne immédiate dès la scène d'ouverture alors que la partition The Last Stage To Red Rock est jouée, le film présentait également quelques chansons d'artistes originaux. L'une d'elles était la chanson Apple Blossom de The Whites Stripes, qui a été jouée lors d'une scène où Daisy Domergue, dans une performance magistrale de Jennifer Jason Leigh, a été frappée au visage par John Ruth dans une performance tout aussi excellente de Kurt Russel, un habitué de Tarantino. Une autre incorporation importante de musique dans le film est survenue lorsque Daisy a chanté la chanson Jim Jones à Botany Bay tout en jouant sur une guitare acoustique dans Minnie's Mercerie. Lorsque John Ruth s'approche de Daisy et lui demande s'il y a un deuxième couplet, il devient furieux après que Daisy ait terminé une phrase selon laquelle il a été laissé pour mort alors qu'elle arrive au Mexique. Cela amène John à arracher agressivement la guitare des mains de Daisy avant de la briser contre une poutre de support à l'intérieur du lodge, poussant Daisy à réagir sous le choc complet. Cette réaction, cependant, n'a pas été mise en évidence dans le scénario du film et est plutôt le résultat de la destruction par Kurt Russel d'une guitare originale fabriquée dans les années 1870, d'une valeur estimée à 40 000 $, qui était censée être remplacée par une réplique bon marché. La réaction de Jennifer Jason Leigh dans le film était 100 % authentique, ce qui a conduit à un éclat accéléré dans sa performance nominée aux Oscars. En conclusion, la musique du film, centrée sur la musique sombre - mais époustouflante - d'Ennio Morricone, a contribué à créer une sensation plus claustrophobe, garantissant que le public quittait les salles avec le même sentiment d'isolement et de terreur que les personnages du film. ont sans aucun doute ressenti.
Lorsque la nouvelle du film le plus récent de Quentin Tarantino, Once Upon A Time In Hollywood, est apparue pour la première fois sur le Web, je suis vite devenu un cinéphile obsessionnel, cherchant à apprendre tout ce qu'il y avait à savoir sur le film avant qu'il ne sorte enfin en salles. Cela était dû en partie au fait que j'étais un grand fan de
Tarantino, en plus d'être un passionné de culture pop autoproclamé qui s'intéresse énormément à tout ce qui concerne Hollywood et ce qui est sans aucun doute la plus glorieuse des décennies, les années 1960. De la musique au cinéma classique, en passant par les émissions de télévision bien-aimées, les belles femmes et l'histoire derrière Tinseltown lui-même, la prémisse derrière le film centré sur une ancienne star de la télévision occidentale échouée et son cascadeur tentant de réussir dans un Hollywood, qu'ils ne reconnaissaient plus, semblait être une histoire suffisamment convaincante.
Grâce au contenu supplémentaire de Sharon Tate, Charles Manson, la famille Manson et d'autres personnages réels qui prennent vie avec brio à travers le chef-d'œuvre de Tarantino. Cependant, je savais que moi-même, ainsi que les spectateurs du monde entier, allions vivre un sacré voyage. Et comme d'habitude, Tarantino n'a pas déçu. Et en toute confiance, je dirais à tous ceux qui n'ont pas encore vu Once Upon A Time In Hollywood qu'il contient la meilleure bande originale de Tarantino à ce jour. Avec les succès de Neil Diamond, Buffy Saint Marie, Deep Purple, Simon & Garfunkel et une incroyable interprétation de California Dreamin' interprétée par José Feliciano, la musique agit comme un vaisseau nécessaire pour émouvoir le public à travers les années soixante et le laisser saliver encore plus. , malgré un temps d'écran de près de trois heures. Je ne veux pas trop en dévoiler sur le film à cause de ce que l'on ne peut décrire que comme contenant une fin qui rivalisera sans aucun doute avec le détournement de l'histoire par Tarantino à travers son épopée sur la Seconde Guerre mondiale, Inglourious Basterds. Pourtant, le film vaut vraiment le détour, c'est le moins qu'on puisse dire.
En fin de compte, dans quelques années, lorsque Tarantino prendra sa retraite, ce qui pourrait arriver plus tôt que la plupart ne l'espéreraient après avoir parlé de sa réalisation de seulement dix longs métrages, je suis convaincu que les fans ne se contenteront pas de discuter de l'impressionnant travail de Tarantino. Pourtant, son choix dans la bande originale pour chaque élément individuel sera également au premier plan de l'admiration des gens envers l'auteur. Après tout, y a-t-il déjà eu un réalisateur capable d'élever une scène de film donnée avec un seul morceau de musique plus que Quentin Tarantino ? Qu'il s'agisse d'un succès oublié depuis longtemps comme l'utilisation par Tarantino de Little Green Bag de George Baker Selection, ou qu'il utilise les talents d'un compositeur de films âgé comme Ennio Morricone, je pense qu'il est prudent de dire que si Tarantino décide seulement d'en réaliser un de plus caractéristique, qu'il sera sans aucun doute considéré comme son tour de force, la bande originale étant couronnée comme son opus magnum.
Tout au long de sa carrière, Tarantino a accumulé un culte qui l'a couronné par les fans comme le roi incontesté de la culture pop. Avec la sortie de son dernier long métrage, Once Upon A Time In Hollywood, que de nombreux critiques ont déjà salué comme étant son meilleur film depuis Pulp Fiction, ce serait une grande gifle pour l'auteur de ne pas évoquer l'un des l'atout le plus fiable du roi de la culture pop en termes de réalisation cinématographique ; son incroyable utilisation de la musique.
Comme aucun autre réalisateur, Tarantino semble maîtriser la capacité de choisir le morceau de musique parfait pour une scène donnée. Les seuls administrateurs comparables seraient probablement feu Stanley.
Kubrick, grâce à son utilisation de la musique classique dans ses films, ou Martin Scorsese à travers son choix d'injecter ce qui semble être un certain nombre de morceaux du recueil de chansons des Rolling Stones dans presque tous ses films avec des résultats impeccables. Pour bien comprendre la maîtrise de la musique de Tarantino au sein de ses films, il faudrait revenir à son premier long métrage officiel, Reservoir Dogs.
Reservoir Dogs est sorti en salles à l'été 1992 et a été immédiatement acclamé par la critique. Le film devait être la deuxième tentative de Tarantino en matière de cinéma après avoir tourné le micro-budget, My Best Friends Wedding, en 1987. Tarantino, cependant, a vu son premier,
long métrage incomplet car il s'agit davantage de sa propre école de cinéma personnelle que d'un film de réelle valeur.
Le premier exemple de l'incroyable utilisation de la musique par Tarantino à travers le film a été son incorporation du hit néerlandais de 1969 Little Green Bag de George Baker Selection, qui a été utilisé pour aider à présenter les personnages principaux du film. La chanson, bien sûr, devait suivre la tristement célèbre scène d'ouverture où les personnages du film plaisantaient sur ce qu'était vraiment Madonnas, Like A Virgin. Le film a également fait un usage incroyable de la chanson Stuck In The Middle With You de Stealers Wheel lorsque l'un des psychopathes du film, M. Blonde, s'est engagé à torturer un flic ligoté et bâillonné juste pour le plaisir. La scène a fait frissonner le public du monde entier, en particulier le moment où M. Blonde a coupé l'oreille du flic sans défense. Mais la scène n'aurait eu que peu de pouvoir sans le choix musical de Tarantino qui a permis à la scène de devenir presque aussi emblématique que la séquence de la douche dans Psycho, soutenue par la partition tendue de Bernard Herrmann, ou la musique titre de Jaws qui jouait comme le requin a été introduit pour la première fois.
En 1994, suite au succès de Reservoir Dogs, Tarantino sort son film le plus acclamé par la critique à ce jour, Pulp Fiction. Le film a contribué à propulser le jeune réalisateur vers une renommée internationale tout en revitalisant la carrière d'acteur de John Travolta et a aidé le Badass Motherfucker lui-même, Samuel L. Jackson, à devenir un nom connu grâce à son rôle de Jules Winnfield. À travers le film, Tarantino a pu démontrer davantage sa capacité à choisir la chanson précise pour la scène appropriée. Un exemple étant l'utilisation de You Never Can Tell de Chuck Berry lors d'une séquence mémorable où Vincent Vega et Mia Wallace, interprétés par la belle Uma Thurman, participent à un concours de danse au Jack Rabbit Slims, un restaurant fictif des années 50, qui était aussi un retour ultérieur aux jours disco de Travolta dans Saturday Night Fever.
Une autre démonstration incroyable de l'utilisation de la pornographie audio par Tarantino a été l'utilisation du tube country des Statler Brothers de 1966, Flowers On The Wall, tel qu'il a été entendu à la radio lorsque Butch Coolidge, joué par Bruce Willis, venait de réussir à retrouver sa poche bien-aimée. regardez avant de tuer Vincent Vega avec le propre pistolet du tueur à gages débile. Tarantino a également inséré deux succès instrumentaux de la légende de la guitare, Link Wray, dont la chanson Rumble, qui est à ce jour le seul succès instrumental à être banni des ondes américaines lors de sa sortie en 1958 en raison de la crainte des disc-jockeys qui croyaient que le la chanson a peut-être inspiré la violence des gangs. Une histoire légendaire sur quelques morceaux qui tuent. Lorsqu'on lui a demandé ce qui avait inspiré son choix de musique pour Pulp Fiction, Tarantino n'a pas tardé à évoquer son désir d'incorporer la musique surf des années 60 comme musique originale pour donner au film une ambiance rock and roll, western spaghetti.
Le long métrage suivant de Tarantino était son seul film à ce jour, adapté d'un roman intitulé Rum Punch, écrit par Elmore Leonard. Tarantino a renommé le film Jackie Brown, un film qu'il souhaitait être sa lettre d'amour aux films de blaxploitation des années soixante-dix.
Tarantino a même choisi Pam Grieir dans le rôle titre, célèbre pour ses performances dans les films de blaxploitation. La musique originale du film a été composée par James Newton Howard, et la bande originale du film était principalement composée de morceaux soul et funk des années 70, y compris des chansons de The Brothers Johnson, Bill Withers et même la chanson Long Time Woman, interprétée par Pam Grier elle-même. Le film contenait également des morceaux de Johnny Cash, The Supremes et The Guess Who. Même si le film est loin d'être mon préféré parmi ceux de Tarantino, son utilisation de la musique, en particulier la chanson jouée lors du générique d'ouverture, Across 110th Street de Bobby Womack and Peace, où Pam Grier est présentée pour la première fois à l'écran, était très cool. introduction qui a contribué à donner le ton à tout le film.
En 2003, Kill Bill : Volume 1 est sorti en salles, et l'année suivante, Kill Bill : Volume 2 est également sorti, ce qui a ironiquement donné lieu à l'adaptation cinématographique du pilote télé raté de Mia Wallace, Fox Force Five, qu'elle avait décrit à Vincent Vega dans Pulp Fiction, contribuant à plastifier la théorie selon laquelle tous les films de Tarantino sont reliés par un univers cinématographique de sa propre création. Mais pour le moment, je n’entrerai pas dans la théorie de l’univers Tarantino. Les deux films Kill Bill devaient initialement être montés comme un seul film. Les dirigeants du cinéma, cependant, ont choisi de diviser le film en deux parties pour éviter au public d'avoir à supporter un film d'une durée égale à celle du film de 1956, Les Dix Commandements. Lorsque Tarantino a commencé à écrire Kill Bill, il souhaitait présenter au monde sa propre variation d'un film de Kung Fu tout en incorporant des éléments du western spaghetti, sans aucun doute l'un des genres cinématographiques préférés de Tarantino. Le scénario des volumes 1 et 2, qui raconte l'histoire d'un ancien assassin en quête de vengeance après avoir été laissé pour mort le jour de son mariage par ceux en qui elle avait autrefois confiance, a été salué par la critique, comme la majorité des films de Tarantino. . La bande originale s'inspire largement de l'incorporation de musiques de films qui rappellent les westerns spaghetti réalisés par Sergio Leone, le génie derrière la trilogie des dollars (Une poignée de dollars, Pour quelques dollars de plus et Le Bon, la Brute et le Truand) qui a joué l'icône du cinéma et tout à fait dur à cuire, Clint Eastwood. Tarantino a également utilisé la chanson Bang Bang (My Baby Shot Me Down) de Nancy Sinatra, qui a suivi l'ouverture froide où l'ancien amant de The Bride, Bill, a tiré sur The Bride au visage, ce qui était le choix de chanson parfait pour ouvrir une motion. image avec des thèmes de rétribution. Le film fait également un usage incroyable de musiques de films originales telles que la chanson Twisted Nerve de Bernard Hermann, largement connu pour les musiques de films qu'il avait composées pour Alfred Hitchcock dans les années cinquante et soixante notamment, y compris les musiques de Psycho, North By Nord-Ouest et Vertigo. La chanson a été présentée comme l'un des nombreux antagonistes du film, Elle Driver, entre à l'hôpital où The Bride est dans le coma. On entend l'assassin brandissant un cache-œil siffler la mélodie qui se transforme ensuite en la partition originale du compositeur légendaire alors que la tension commence à monter. Mais tout au long du film, mon utilisation préférée de la musique a été le choix de Tarantino d'utiliser la chanson Nobody But Me de The Human Beinz lors d'une scène épique où The Bride affronte à elle seule les Crazy 88, probablement la séquence de combat la plus sanglante de tous. du cinéma. Dans l’ensemble, le choix musical de Tarantino a considérablement élevé l’ambiance générale du film et l’a aidé à se transformer en un film aux proportions épiques.
En 2007, Tarantino a collaboré avec son ami de longue date et collègue cinéaste, Robert Rodriguez, dans ce qui allait devenir un double long métrage intitulé Grindhouse Presents: Death Proof et Planet Terror. Les cinéastes avaient déjà travaillé ensemble sur le film de vampire de 1996, From Dusk Till Dawn, dans lequel Tarantino a joué tout en réalisant le scénario original. Cette fois-ci, Tarantino et Rodriguez ont spécifiquement filmé leur double long métrage comme leur lettre d'amour à B-grade.
films qui étaient les plus courants dans les années soixante-dix. Les deux films donnaient l'impression d'avoir été tournés avec un budget relativement faible et incluaient d'innombrables femmes sexy, des intrigues farfelues et de nombreuses violences. Le long métrage de Tarantino, Death Proof, tournait autour d'un cascadeur psychopathe qui ciblait des groupes sans méfiance de jeunes et belles femmes, qu'il assassinait ensuite sadiquement par un homicide involontaire. Le film présentait plusieurs succès de la fin des années 60 et des années 70, et on ne peut que supposer que le cinéaste désormais vétéran a grandi en écoutant tout au long de son enfance à Los Angeles. Mon utilisation préférée de la musique dans le film devait être pendant une séquence où la chanson Down In Mexico de Les Coasters ont joué le rôle de l'incroyablement sexy Vanessa Ferlito et ont offert à Kurt Russell, qui joue le méchant du film, Mike le Cascadeur, un tour de danse très sensuel. Le film a également utilisé une multitude de succès, notamment : Baby It's You de Smith, Jeepster de T. Rex et Hold Tight de Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich qui ont été entendus à la radio lors d'une scène horrible dans laquelle une voiture pleine de bébés a été brutalement assassinée par Mike The Cascadeur après les avoir percutés avec son véhicule classique emblématique. Le film présentait également un de mes plaisirs coupables personnels, Chick Habit by April March, qui ressemblait à un succès des années soixante bien qu'il soit sorti en 1996.
Tarantino a toujours été un fan des films centrés sur la Seconde Guerre mondiale. En particulier, les films qui montraient les Américains tenant tête aux nazis lorsque les chances étaient contre eux, comme à travers le film réalisé par Robert Aldrich en 1967, "The Dirty Dozen". Ou des films centrés sur les efforts déployés par l'Amérique pour échapper aux nazis, comme le film à succès de 1963 "La Grande Évasion", que Tarantino a surnommé son film préféré de tous les temps sur la Seconde Guerre mondiale. En 2009, cet amour pour les films de guerre a conduit Tarantino à réaliser l'épopée de la Seconde Guerre mondiale, Inglourious Basterds. Dès sa sortie, le film a été largement reconnu par la critique comme étant l'un des films les plus célèbres de Tarantino, et sa bande originale a joué un rôle important. Contrairement à la plupart des films de Tarantino, la bande originale d'Inglourious Basterds n'incluait pas beaucoup de succès grand public enregistrés précédemment, mais contenait une partition musicale badass, qui était une fois de plus fortement inspirée par le genre cinématographique préféré de Tarantino, le western spaghetti. Plusieurs musiques présentées dans le film ont été composées par le légendaire Ennio Morricone, contribuant ainsi à donner au film une couche de suspense supplémentaire. Une scène préférée du film, qui comprenait une partition composée par Ennio Morricone, était celle où The Bear Jew a été présenté pour la première fois alors qu'il émergeait d'une grotte sombre avec une batte de baseball à la main alors que la chanson The Surrender jouait un moment avant qu'il ne frappe. le cerveau d'un officier nazi. Tarantino a également emprunté des partitions musicales à de nombreux longs métrages, dont la chanson Tiger Tank du film Kelly's Heroes, qui joue le rôle du soldat Zoller allant à la rencontre de Shosanna dans la salle de projection, qui se termine par une fusillade sanglante. Le seul morceau de musique moderne incorporé dans le film était Putting Out Fire, interprété par David Bowie, qui figurait dans le film Cat People. La chanson a été jouée lors d'une scène d'introduction du chapitre cinq dans laquelle Shosanna se prépare à incendier son théâtre et finalement à tuer Hitler et d'autres membres clés du Troisième Reich. La bande originale du film Inglourious Basterds était si recherchée qu'elle a fini par recevoir une nomination aux Grammy Awards pour la meilleure compilation de bande originale pour un film, avant de perdre face à la bande originale de Slumdog Millionaire.
La bande originale la plus éclectique d’un long métrage réalisé par Quentin Tarantino est sans doute celle du western spaghetti épique, Django Unchained, qui présentait une multitude de genres musicaux. Le film, qui raconte l'histoire durable d'un esclave affranchi, Django Freeman, qui devient un chasseur de primes alors qu'il voyage avec son sauveur et ami, le Dr King Schultz, pour sauver sa femme esclave, Broomhilda, a été universellement acclamé par la critique. . Le film incorporait des éléments de rap, de hip hop, ainsi qu'un éventail de succès country, dont la chanson Ain't No Grave de Johnny Cash, ainsi qu'une autre vaste sélection de musiques de films d'Ennio Morricone, qui semble être un modèle. dans les films de Tarantino ces derniers temps. Tout au long du film, il y a eu des chansons qui ont élevé les scènes plus que d'autres, y compris la chanson d'introduction Django, interprétée par Rocky Roberts, qui jouait le rôle d'un Django asservi conduit à travers le désert, enchaîné par les chevilles et vêtu de simples haillons. La chanson a contribué à donner le ton à tout le film tout en servant également de retour au western spaghetti de 1966, Django, réalisé par Sergio Corbucci. En parlant de cela, Django Unchained a également présenté une apparition du Django original lorsque l'acteur du film de 1966, Franco Nero, s'est entretenu avec Django Freeman, joué par Jamie Foxx, au Cleopatra Club. Cette scène s’est avérée être un camée assez mémorable. Une autre utilisation notable de la musique a été le tube de Jim Croce, I Got A Name, qui a été joué lors d'un montage de film où Django et le Dr King Schultz chevauchaient dans le paysage hivernal, qui s'est terminé sur une belle photo de Django s'imaginant retrouver son magnifique épouse, Broomhilda. Une scène du film, guidée par la musique à couper le souffle de La Corsa du compositeur de films Luis Bacalov, dans laquelle Django a finalement rattrapé les Brittle Brothers qui avaient
torturé Django et sa femme, a toujours réussi à me donner la chair de poule à chaque visionnage. L'image d'un vaillant Django s'approchant de John Brittle avant de crier son nom alors que la partition musicale joue en arrière-plan qui se termine par Django tuant John et Little Raj, a toujours été une scène qui a suscité des sentiments d'espoir, de dignité et la conviction que le bien finira par l'emporter sur le mal. Cependant, la plus grande utilisation de la musique dans le film a sans doute eu lieu lors de la fusillade sanglante à Candyland après la mort de Calvin Candie et du Dr King Schultz. Alors que Django se frayait un chemin à travers le manoir, les pistolets dégainés, tirant sauvagement comme un remix intitulé Unchained avec des voix de 2Pac et James Brown jouées en arrière-plan, devait être l'une de mes scènes préférées dans n'importe quel film qui a été massivement rehaussée par le choix de Tarantino. pour insérer la chanson la plus inattendue dans un film, il n'aurait généralement rien à voir avec son intégration. Pas différent de la bande originale d'Inglourious Basterds, Django Unchained a également reçu une nomination aux Grammy Awards pour la meilleure compilation de bande originale pour un film, ce qui en fait une bande originale véritablement géniale personnifiée par l'incroyable goût musical de Tarantino.
Le titre justement intitulé The Hateful Eight, qui était le huitième film réalisé par le célèbre auteur, comprenait pour la première fois dans un film de Tarantino une musique complètement originale, composée, orchestrée et dirigée par nul autre qu'Ennio Morricone. Ayant été un film qui a fait l'objet d'une large controverse avant même que Tarantino ne décide de se lancer en production en raison de la fuite de la première ébauche du scénario en ligne en janvier 2014, le réalisateur a d'abord déclaré qu'il ne tournerait pas le long métrage - jusqu'à ce que l'immense majorité réponse positive qu'il a reçue du public lors d'une lecture historique en direct du scénario. Avec le soutien du public, le film est finalement entré en production en septembre 2014 et, dès sa sortie, a rencontré des critiques mitigées de la part des critiques.
Considéré comme l'un des films les plus faibles de la filmographie de Tarantino, l'histoire était centrée sur huit inconnus réunis lors d'une violente tempête de neige dans le Wyoming au cours de l'hiver 1877, ce qui était en quelque sorte un retour au premier long métrage de Tarantino, Reservoir Dogs, qui également contenait un premier emplacement défini. Bien que le film n'ait pas reçu un accueil universel comme d'autres films de l'œuvre de Tarantino, la musique originale de Morricone n'aurait pas pu être mieux accueillie, ayant valu au compositeur respecté et vétéran un Golden Globe Award,
ainsi que son premier Oscar pour la musique du film. En plus d'avoir une musique originale magistrale qui a donné au film une sensation hitchcockienne immédiate dès la scène d'ouverture alors que la partition The Last Stage To Red Rock est jouée, le film présentait également quelques chansons d'artistes originaux. L'une d'elles était la chanson Apple Blossom de The Whites Stripes, qui a été jouée lors d'une scène où Daisy Domergue, dans une performance magistrale de Jennifer Jason Leigh, a été frappée au visage par John Ruth dans une performance tout aussi excellente de Kurt Russel, un habitué de Tarantino. Une autre incorporation importante de musique dans le film est survenue lorsque Daisy a chanté la chanson Jim Jones à Botany Bay tout en jouant sur une guitare acoustique dans Minnie's Mercerie. Lorsque John Ruth s'approche de Daisy et lui demande s'il y a un deuxième couplet, il devient furieux après que Daisy ait terminé une phrase selon laquelle il a été laissé pour mort alors qu'elle arrive au Mexique. Cela amène John à arracher agressivement la guitare des mains de Daisy avant de la briser contre une poutre de support à l'intérieur du lodge, poussant Daisy à réagir sous le choc complet. Cette réaction, cependant, n'a pas été mise en évidence dans le scénario du film et est plutôt le résultat de la destruction par Kurt Russel d'une guitare originale fabriquée dans les années 1870, d'une valeur estimée à 40 000 $, qui était censée être remplacée par une réplique bon marché. La réaction de Jennifer Jason Leigh dans le film était 100 % authentique, ce qui a conduit à un éclat accéléré dans sa performance nominée aux Oscars. En conclusion, la musique du film, centrée sur la musique sombre - mais époustouflante - d'Ennio Morricone, a contribué à créer une sensation plus claustrophobe, garantissant que le public quittait les salles avec le même sentiment d'isolement et de terreur que les personnages du film. ont sans aucun doute ressenti.
Lorsque la nouvelle du film le plus récent de Quentin Tarantino, Once Upon A Time In Hollywood, est apparue pour la première fois sur le Web, je suis vite devenu un cinéphile obsessionnel, cherchant à apprendre tout ce qu'il y avait à savoir sur le film avant qu'il ne sorte enfin en salles. Cela était dû en partie au fait que j'étais un grand fan de
Tarantino, en plus d'être un passionné de culture pop autoproclamé qui s'intéresse énormément à tout ce qui concerne Hollywood et ce qui est sans aucun doute la plus glorieuse des décennies, les années 1960. De la musique au cinéma classique, en passant par les émissions de télévision bien-aimées, les belles femmes et l'histoire derrière Tinseltown lui-même, la prémisse derrière le film centré sur une ancienne star de la télévision occidentale échouée et son cascadeur tentant de réussir dans un Hollywood, qu'ils ne reconnaissaient plus, semblait être une histoire suffisamment convaincante.
Grâce au contenu supplémentaire de Sharon Tate, Charles Manson, la famille Manson et d'autres personnages réels qui prennent vie avec brio à travers le chef-d'œuvre de Tarantino. Cependant, je savais que moi-même, ainsi que les spectateurs du monde entier, allions vivre un sacré voyage. Et comme d'habitude, Tarantino n'a pas déçu. Et en toute confiance, je dirais à tous ceux qui n'ont pas encore vu Once Upon A Time In Hollywood qu'il contient la meilleure bande originale de Tarantino à ce jour. Avec les succès de Neil Diamond, Buffy Saint Marie, Deep Purple, Simon & Garfunkel et une incroyable interprétation de California Dreamin' interprétée par José Feliciano, la musique agit comme un vaisseau nécessaire pour émouvoir le public à travers les années soixante et le laisser saliver encore plus. , malgré un temps d'écran de près de trois heures. Je ne veux pas trop en dévoiler sur le film à cause de ce que l'on ne peut décrire que comme contenant une fin qui rivalisera sans aucun doute avec le détournement de l'histoire par Tarantino à travers son épopée sur la Seconde Guerre mondiale, Inglourious Basterds. Pourtant, le film vaut vraiment le détour, c'est le moins qu'on puisse dire.
En fin de compte, dans quelques années, lorsque Tarantino prendra sa retraite, ce qui pourrait arriver plus tôt que la plupart ne l'espéreraient après avoir parlé de sa réalisation de seulement dix longs métrages, je suis convaincu que les fans ne se contenteront pas de discuter de l'impressionnant travail de Tarantino. Pourtant, son choix dans la bande originale pour chaque élément individuel sera également au premier plan de l'admiration des gens envers l'auteur. Après tout, y a-t-il déjà eu un réalisateur capable d'élever une scène de film donnée avec un seul morceau de musique plus que Quentin Tarantino ? Qu'il s'agisse d'un succès oublié depuis longtemps comme l'utilisation par Tarantino de Little Green Bag de George Baker Selection, ou qu'il utilise les talents d'un compositeur de films âgé comme Ennio Morricone, je pense qu'il est prudent de dire que si Tarantino décide seulement d'en réaliser un de plus caractéristique, qu'il sera sans aucun doute considéré comme son tour de force, la bande originale étant couronnée comme son opus magnum.
C'est une histoire de Jeremy Hunter. Jeremy est le "chien du vinyle" chez Funky Moose Records. Si vous souhaitez contribuer à une histoire, veuillez nous contacter .
